May. 31st, 2023
Сколько было экранизаций произведения « Ярмарка тщеславия» Уильяма Теккерея?
Классический роман Уильяма Теккерея «Ярмарка тщеславия» экранизировался не раз. Только в эпоху немого кино было сделано аж четыре разные версии. А фильм 1935 года «Бекки Шарп» Рубена Мамуляна вообще стал первой цветной полнометражной картиной в истории. Сегодня мы расскажем о трех зарубежных лентах последних лет, на которые стоит обратить внимание.
В этот раз я решила посмотреть сериал 1998 года режиссера Марка Мандена.

Было бы странно, если бы знаковый для мировой литературы роман не пользовался популярностью на своей исторической родине. И англичане не раз брались за его экранизацию с разной степенью успеха. Не будем говорить о плохих картинах. Наиболее примечательная из весьма обширного ряда телесериалов — это шестисерийная эпопея Марка Мандена. Режиссер пригласил в свой проект лучших на тот момент артистов британского телевидения (даже на втором плане у него актеры уровня Дэвида Брэдли и Мириам Маргулис). Так что очередной поделкой здесь и не пахнет.
Тут вам и неторопливое повествование, уделяющее много внимания каждому из героев, и отменная техническая часть. Но главная причина, по которой этот сериал остается непревзойденным — проникновенная актерская игра. Вы видите на экране именно персонажей книги, а их история и переплетение судеб способны тронуть до глубины души. Неудивительно, что сериал ждал такой успех. Работа Мандена получила целый ворох наград и номинаций и на данный момент прочно удерживает позицию лучшей британской адаптации романа.
———————
Еще в юности я не раз смотрела по телевизору постановку Академического Малого театра «Ярмарки тщеславия « 1976 года с прекрасным актерским составом.
Классический роман Уильяма Теккерея «Ярмарка тщеславия» экранизировался не раз. Только в эпоху немого кино было сделано аж четыре разные версии. А фильм 1935 года «Бекки Шарп» Рубена Мамуляна вообще стал первой цветной полнометражной картиной в истории. Сегодня мы расскажем о трех зарубежных лентах последних лет, на которые стоит обратить внимание.
В этот раз я решила посмотреть сериал 1998 года режиссера Марка Мандена.

Было бы странно, если бы знаковый для мировой литературы роман не пользовался популярностью на своей исторической родине. И англичане не раз брались за его экранизацию с разной степенью успеха. Не будем говорить о плохих картинах. Наиболее примечательная из весьма обширного ряда телесериалов — это шестисерийная эпопея Марка Мандена. Режиссер пригласил в свой проект лучших на тот момент артистов британского телевидения (даже на втором плане у него актеры уровня Дэвида Брэдли и Мириам Маргулис). Так что очередной поделкой здесь и не пахнет.
Тут вам и неторопливое повествование, уделяющее много внимания каждому из героев, и отменная техническая часть. Но главная причина, по которой этот сериал остается непревзойденным — проникновенная актерская игра. Вы видите на экране именно персонажей книги, а их история и переплетение судеб способны тронуть до глубины души. Неудивительно, что сериал ждал такой успех. Работа Мандена получила целый ворох наград и номинаций и на данный момент прочно удерживает позицию лучшей британской адаптации романа.
———————
Еще в юности я не раз смотрела по телевизору постановку Академического Малого театра «Ярмарки тщеславия « 1976 года с прекрасным актерским составом.
Слоган : «1 невеста и 99 ее безумных родственников»😂
Обожаю этот фильм и , когда у меня неприятности или плохое настроение всегда смотрю этот фильм.
Смотрю без дуближа, так как мне нравится слышать настоящие голоса актеров и, чтобы полностью представить себе образ героя, которого он воплощает на экране.

Афродита, богиня любви и красоты, не благосклонна к Туле Портокалос. Её регулярный ночной кошмар – уже за 30 и ещё не замужем. В толстых очках и с обвисшими прядями она обслуживает клиентов в семейном ресторане своих многочисленных родственников и спит и видит, куда бы сбежать от всех этих тётушек, дядюшек и бабушек.
Обожаю этот фильм и , когда у меня неприятности или плохое настроение всегда смотрю этот фильм.
Смотрю без дуближа, так как мне нравится слышать настоящие голоса актеров и, чтобы полностью представить себе образ героя, которого он воплощает на экране.

Афродита, богиня любви и красоты, не благосклонна к Туле Портокалос. Её регулярный ночной кошмар – уже за 30 и ещё не замужем. В толстых очках и с обвисшими прядями она обслуживает клиентов в семейном ресторане своих многочисленных родственников и спит и видит, куда бы сбежать от всех этих тётушек, дядюшек и бабушек.
В этом посте более подробно рассматривается « Звездная ночь» Винсента Ван Гога, которую он написал в 1889 году. Это мечтательное изображение с закрученными линиями и драматическими цветами — одно из самых знаковых произведений Ван Гога.
«Я ничего не знаю наверняка, но вид звезд заставляет меня мечтать». Винсент Ван Гог

Интересные факты о «Звездной ночи».
Картина основана на виде Ван Гога из его комнаты в психиатрической лечебнице в Сен-Реми-де-Прованс. Он был написан по памяти в течение дня, так как он не мог рисовать из своей комнаты. Но он умел создавать наброски тушью и углем.

Vincent van Gogh, Starry Night (Drawing), 1889
«Звездная ночь» — одна из 21 версии, основанной на одной и той же теме. Это единственная ночная версия в серии.
Письма Ван Гога к его брату Тео дают представление о вдохновении Ван Гога и его увлечении ночью. В 1889 году он писал: «Через зарешеченное окно я могу разглядеть квадрат пшеницы в ограде, над которой утром я вижу восход солнца во всей своей красе».
Хотя это одна из его самых известных работ, он изначально считал картину неудачной, основываясь на своих письмах к Тео.
Исследования показывают, что Луна на самом деле не была в фазе полумесяца, как изображено на картине. Вернее, он был бы заполнен примерно на три четверти, но Ван Гог, вероятно, нарисовал его таким образом из стилистических соображений.
Исследования также показывают, что самая яркая «звезда» на картине справа от большого кипариса (на фото ниже) на самом деле может быть Венерой, которая была видна в то время, когда Ван Гог рисовал в приюте.

Закрученная кисть, используемая для создания ощущения движения и турбулентности.
Когда я думаю о «Звездной ночи», первое, что приходит на ум, это закрученная кисть, которая создает ощущение движения и турбулентности, особенно в небе. На самом деле, физик по имени Хосе Луис Арагон предположил, что закрученная кисть на таких картинах, как «Звездная ночь», имеет сверхъестественное сходство с математическим выражением реальной турбулентности, проявляющейся в природных явлениях, таких как водовороты и воздушные потоки. Подробнее об этом можно прочитать здесь.
Ван Гог использовал нагруженную кисть, чтобы создать густую пастозную текстуру, которую вы можете видеть на крупных планах ниже. Эта пастозная текстура является ключевой особенностью многих работ Ван Гога.
Техника пастозной живописи
Когда художник работает непрозрачными, толстыми мазками акриловой или масляной краской, сохраняя рельефный рисунок от следов кисти – это называется корпусная или пастозная техника живописи. По исполнению такой способ является полной противоположностью лессировке.
Если используется акрил, то нет никаких проблем в наслоении более плотных слоев краски по тонкой глазури. Можно полностью закрыть проблематичную область непрозрачными титановым белилами.
Если для картины применяют масляные краски, то наслоение может вызвать растрескивание слоев краски при высыхании.
Настоящий пастозный мазок выполняют неразбавленной свежей краской, чтобы при помощи следов от жесткой широкой кисти или мастихина придать рисунку текстуру вместо прописывания мелких деталей. Смешивание со скипидаром делает краску жидкой и склонной к растеканию. Разжижение льняным маслом дает эффект прозрачности, но очень долго сохнет и при нанесении поверху следующего мазка, может сморщиться. Именно поэтому пастозная техника требует чистого неразбавленного продукта, без расслоения. Масляная краска часто применяется прямо из тюбика. Принцип работы в масляной живописи предполагает, что нижние слои краски должны быть сухие или менее снабженные маслом, чем верхние. Смешивание цвета и утолщение с каждым слоем на полотне производится так, чтобы сохранятся баланс и нижние слои впитывали масло из свежего, нового слоя.
Стоит обратить внимание, в пастозной технике нельзя приравнивать загустевшую и свежую густую краску – техника не позволяет использовать разбавители, кроме фонового основания. Если в последнем слое недостаточно масла, слишком толстый пласт может обрушиться после высыхания.
Источник: https://artrecept.com/zhivopis/tehnika/pastoznaya-zhivopis



Цвет и свет
В письме к брату Тео Ван Гог писал, что «звездная ночь живее и ярче окрашена, чем день». Это может объяснить его преувеличенное использование цвета.
Ван Гог использовал насыщенные голубые и желтые тона, чтобы нарисовать ночное небо, а светло-зеленый разбросал повсюду. Его отсутствие смешивания создает прерывистый цветовой эффект, который, кажется, повторяет ощущение движения и турбулентности в картине. Кажется, что цвета вибрируют, когда ваши глаза прыгают между всеми различными цветами.
Он нарисовал свет звезд, луны и домов, сопоставив яркие желтые и оранжевые цвета с синим и зеленым в остальной части картины. Если вы присмотритесь, то увидите, что в большинстве случаев он использовал насыщенный желтый или оранжевый цвет в центре, а затем использовал более светлые, но менее насыщенные цвета по краям.
Он использовал светло-зеленый почти как промежуточный цвет для перехода от ярко-желтого и оранжевого к темно-синему. Зеленый — это то, что получится, если смешать желтый и синий вместе. При этом появляется какая-то цветовая градация, хотя он не использовал никакого смешивания.
Где реализм встречается с абстракцией.
Эта картина представляет собой интересную область где-то между реализмом и полной абстракцией. Ван Гог подтолкнул цвета и стиль, чтобы изобразить свою уникальную интерпретацию мира, но не настолько, чтобы потерять все качества реализма и репрезентации. Вы точно знаете, о чем идет речь, но это далеко не то, что вы увидели бы в жизни.
Эта область в живописи, позволяет выразить себя, не отходя слишком далеко от стандартов репрезентативного искусства.
С такими вещами нет правильного ответа. Некоторые восхищаются Ван Гогом за его уникальные интерпретации, в то время как другие критикуют его за то, что он слишком далеко отошел от границ реальности. Просто интересно поразмыслить.
Ключевые выводы
Вот некоторые из ключевых выводов «Звездной ночи», которые вы могли бы включить в свои собственные картины:
Преувеличение определенных элементов, таких как цвет и перспектива, действительно может помочь вам изобразить эмоции и чувства, которые вы испытываете по поводу предмета. В этом случае Ван Гог преувеличил цвета, форму и перспективу, чтобы создать очень мечтательное изображение.
Чтобы нарисовать свет, вы можете использовать сильный цветовой контраст, например, желтый и оранжевый против синего.
Направленная кисть может использоваться для создания ощущения движения и турбулентности в вашей картине.
Повторяя схожие приемы и процессы, вы в конечном итоге создаете сильный стиль, благодаря которому люди запомнят вас.
Источник: https://drawpaintacademy.com/the-starry-night/
«Я ничего не знаю наверняка, но вид звезд заставляет меня мечтать». Винсент Ван Гог

Интересные факты о «Звездной ночи».
Картина основана на виде Ван Гога из его комнаты в психиатрической лечебнице в Сен-Реми-де-Прованс. Он был написан по памяти в течение дня, так как он не мог рисовать из своей комнаты. Но он умел создавать наброски тушью и углем.

Vincent van Gogh, Starry Night (Drawing), 1889
«Звездная ночь» — одна из 21 версии, основанной на одной и той же теме. Это единственная ночная версия в серии.
Письма Ван Гога к его брату Тео дают представление о вдохновении Ван Гога и его увлечении ночью. В 1889 году он писал: «Через зарешеченное окно я могу разглядеть квадрат пшеницы в ограде, над которой утром я вижу восход солнца во всей своей красе».
Хотя это одна из его самых известных работ, он изначально считал картину неудачной, основываясь на своих письмах к Тео.
Исследования показывают, что Луна на самом деле не была в фазе полумесяца, как изображено на картине. Вернее, он был бы заполнен примерно на три четверти, но Ван Гог, вероятно, нарисовал его таким образом из стилистических соображений.
Исследования также показывают, что самая яркая «звезда» на картине справа от большого кипариса (на фото ниже) на самом деле может быть Венерой, которая была видна в то время, когда Ван Гог рисовал в приюте.

Закрученная кисть, используемая для создания ощущения движения и турбулентности.
Когда я думаю о «Звездной ночи», первое, что приходит на ум, это закрученная кисть, которая создает ощущение движения и турбулентности, особенно в небе. На самом деле, физик по имени Хосе Луис Арагон предположил, что закрученная кисть на таких картинах, как «Звездная ночь», имеет сверхъестественное сходство с математическим выражением реальной турбулентности, проявляющейся в природных явлениях, таких как водовороты и воздушные потоки. Подробнее об этом можно прочитать здесь.
Ван Гог использовал нагруженную кисть, чтобы создать густую пастозную текстуру, которую вы можете видеть на крупных планах ниже. Эта пастозная текстура является ключевой особенностью многих работ Ван Гога.
Техника пастозной живописи
Когда художник работает непрозрачными, толстыми мазками акриловой или масляной краской, сохраняя рельефный рисунок от следов кисти – это называется корпусная или пастозная техника живописи. По исполнению такой способ является полной противоположностью лессировке.
Если используется акрил, то нет никаких проблем в наслоении более плотных слоев краски по тонкой глазури. Можно полностью закрыть проблематичную область непрозрачными титановым белилами.
Если для картины применяют масляные краски, то наслоение может вызвать растрескивание слоев краски при высыхании.
Настоящий пастозный мазок выполняют неразбавленной свежей краской, чтобы при помощи следов от жесткой широкой кисти или мастихина придать рисунку текстуру вместо прописывания мелких деталей. Смешивание со скипидаром делает краску жидкой и склонной к растеканию. Разжижение льняным маслом дает эффект прозрачности, но очень долго сохнет и при нанесении поверху следующего мазка, может сморщиться. Именно поэтому пастозная техника требует чистого неразбавленного продукта, без расслоения. Масляная краска часто применяется прямо из тюбика. Принцип работы в масляной живописи предполагает, что нижние слои краски должны быть сухие или менее снабженные маслом, чем верхние. Смешивание цвета и утолщение с каждым слоем на полотне производится так, чтобы сохранятся баланс и нижние слои впитывали масло из свежего, нового слоя.
Стоит обратить внимание, в пастозной технике нельзя приравнивать загустевшую и свежую густую краску – техника не позволяет использовать разбавители, кроме фонового основания. Если в последнем слое недостаточно масла, слишком толстый пласт может обрушиться после высыхания.
Источник: https://artrecept.com/zhivopis/tehnika/pastoznaya-zhivopis



Цвет и свет
В письме к брату Тео Ван Гог писал, что «звездная ночь живее и ярче окрашена, чем день». Это может объяснить его преувеличенное использование цвета.
Ван Гог использовал насыщенные голубые и желтые тона, чтобы нарисовать ночное небо, а светло-зеленый разбросал повсюду. Его отсутствие смешивания создает прерывистый цветовой эффект, который, кажется, повторяет ощущение движения и турбулентности в картине. Кажется, что цвета вибрируют, когда ваши глаза прыгают между всеми различными цветами.
Он нарисовал свет звезд, луны и домов, сопоставив яркие желтые и оранжевые цвета с синим и зеленым в остальной части картины. Если вы присмотритесь, то увидите, что в большинстве случаев он использовал насыщенный желтый или оранжевый цвет в центре, а затем использовал более светлые, но менее насыщенные цвета по краям.
Он использовал светло-зеленый почти как промежуточный цвет для перехода от ярко-желтого и оранжевого к темно-синему. Зеленый — это то, что получится, если смешать желтый и синий вместе. При этом появляется какая-то цветовая градация, хотя он не использовал никакого смешивания.
Где реализм встречается с абстракцией.
Эта картина представляет собой интересную область где-то между реализмом и полной абстракцией. Ван Гог подтолкнул цвета и стиль, чтобы изобразить свою уникальную интерпретацию мира, но не настолько, чтобы потерять все качества реализма и репрезентации. Вы точно знаете, о чем идет речь, но это далеко не то, что вы увидели бы в жизни.
Эта область в живописи, позволяет выразить себя, не отходя слишком далеко от стандартов репрезентативного искусства.
С такими вещами нет правильного ответа. Некоторые восхищаются Ван Гогом за его уникальные интерпретации, в то время как другие критикуют его за то, что он слишком далеко отошел от границ реальности. Просто интересно поразмыслить.
Ключевые выводы
Вот некоторые из ключевых выводов «Звездной ночи», которые вы могли бы включить в свои собственные картины:
Преувеличение определенных элементов, таких как цвет и перспектива, действительно может помочь вам изобразить эмоции и чувства, которые вы испытываете по поводу предмета. В этом случае Ван Гог преувеличил цвета, форму и перспективу, чтобы создать очень мечтательное изображение.
Чтобы нарисовать свет, вы можете использовать сильный цветовой контраст, например, желтый и оранжевый против синего.
Направленная кисть может использоваться для создания ощущения движения и турбулентности в вашей картине.
Повторяя схожие приемы и процессы, вы в конечном итоге создаете сильный стиль, благодаря которому люди запомнят вас.
Источник: https://drawpaintacademy.com/the-starry-night/
РАЗОБЛАЧЕНИЕ МАДАМ Х
May. 31st, 2023 06:10 pm
Джон Сингер, молодой художник, познавал азы художественного искусства с большим энтузиазмом. Он учился в родной Италии, позже в Германии и Франции, познакомился с различными художниками того времени, особенно дружил с Клодом.

История мадам Икс начинается во Франции, там Сарджент впервые встречает прекрасную Виржини Готро. Неприступная дева, которая отказывает любому художнику, желающему написать её портрет. Но как уже известно, Джон Сингер не из тех, кого пугают препятствия. Просьбу свою он передал Виржинии через их общего друга, в письме которому он писал:
«У меня есть огромное желание написать ее портрет. И у меня есть основания полагать, что она это позволит. Вы можете передать ей, что я имею поразительный талант»
А что же насчет Готро? Юная и прекрасная, дочь плантатора итальянского происхождения, первые годы жизни провела в Новом Орлеане, а после кончины отца переехала с матерью в Париж, где самой главной целью девушки стала светская жизнь и вершина элиты. На этом желании они сошлись с юным денди, и Виржини согласилась позировать.
Тогда Джон Сингер ещё не понял, насколько сложной будет эта работа, модель никак не могла усидеть на месте даже минуту, ходила по всей комнате и возмущалась, отчего же так долго. С большим трудом, но художник смог закончить работу, выбрав гордую позу для натурщицы.

И вот наступил долгожданный день показа картины парижской элите и полный провал. Зрители настолько плохо оценили работу, что Готро была вынуждена не покидать стены своего дома, чтобы не видеть насмешек. А все из-за одной тонкой лямки на которой держалось все платье девушки. Высший свет посчитал непозволительным изображать замужних женщин, принадлежащих к их «касте», в позе дамы, уверенной в себе, внутренне свободной и осознающей свою женскую власть. Бульварная пресса пестрила яркими заголовками про то, что девушка теперь новый образец для пикового туза. Мать Виржини, Мария Вирджиния де Тернант, устроила настоящую сцену художнику, заявляя:
«Весь Париж высмеивает мою дочь. Она разрушена... Она умрет от огорчения».
Художник же, как обычно не собирался сдаваться и немного перерисовал картину, сделал лямку толще и сменил название. Однако это положение не спасло. Его карьера была также стремительно разрушена, как и жизнь модели.
Картина стала поистине ключевой и резонансной в жизни не только модели и автора, но и целого мира. Художнику пришлось скрываться от критик парижан, его прозвали женоненавистником. Он планировал отсидеться в Лондоне в надежде, что его провал забудут и в будущем он все же сможет вернуться к любимому ремеслу. У судьбы на это были другие планы. Дерзость мастера вызвала дикий интерес к его персоне у британской и американской публики. После такого взрыва заказов Джон Сингер стал одним из самых популярных портретистов того времени.
К Виржини слава пришла не сразу. После скандалов девушке пришлось уйти в тень. И только спустя столетие она стала настоящей иконой моды, которую почитали не только в Париже, но и все всем мире. Эта элегантность и грация стали её наследием, а скандал вокруг картины привлек ещё большее внимание к персоне.
Несмотря на то, что большую часть своей жизни он прожил за границей, Сарджент считал себя американцем и хотел, чтобы его самые значительные работы постоянно выставлялись в выдающемся музее Америки. Хотя с момента его скандального дебюта прошло много лет, у Сарджента была одна оговорка: «Кстати, я бы предпочел, из-за ссоры, которая у меня была с этой дамой много лет назад, чтобы картина не называлась ее именем». Робинсон уступил Сарджену и картина получила название «Портрет мадам X».
Теперь о самой работе над портретом.
Сарджент работал с одержимостью, чтобы запечатлеть экзотическую, даже причудливую внешность мадам Готро, американки из Нового Орлеана, вышедшей замуж за богатого парижского банкира. Сарджент описал ее как обладательницу самых красивых линий и кожи «однородного цвета лаванды или промокательной бумаги». По общему мнению, она подкрашивала свои каштановые волосы хной и использовала хлорат калийного порошка, чтобы улучшить свой естественно светлый цвет лица.
Давно известно из различных писем и отчетов, что Сарджент внес существенные изменения в работу. Однако только в 1995 году техническое обследование, включая рентгенографию и инфракрасную рефлектографию, выявило множество изменений, внесенных Сарджентом при завершении портрета для Салона 1884 года. Рентгенограмма головы показывает многочисленные корректировки профиля. , значительное смещение положения уха и изменение положения рук.

В то время как исследование 1995 года охарактеризовало изменения цвета в ограниченной степени, с тех пор возросшие технические возможности позволили более внимательно изучить эти экстраординарные преобразования. Сканирование рентгеновской флуоресценции (XRF) обеспечивает отображение отдельных элементов, присутствующих на картине.

Карты XRF (выше) фиксируют присутствие элементов, составляющих различные пигменты, такие как лазурный, виридиан и киноварь. Возможно, наиболее удивительным является обильное количество темного и прозрачного зеленовато-зеленого цвета в глубоком черном платье и густых красновато-каштановых волосах натурщицы или скудное использование киновари для окрашивания тела. Хотя следы огненно-красной киновари присутствуют в глазах, ноздрях, губах, ушах, лифе и правой руке, для бледно-телесного тона груди и левой руки художник предпочел более тонкий прозрачный красно-озёрный пигмент, благодаря которому достигается нежный, более натуралистичный цвет.
Эти удивительные изображения являются свидетельством не только силы Сарджента как колориста, но и его вовлеченного творческого процесса. Они предлагают окно в мысли художника за работой, ясно и точно иллюстрируя множество решений, которые художник делает перед завершением композиции, и служат ярким напоминанием о том, что каждая деталь законченной поверхности является результатом многих решений, которые остаются невидимыми для человека невооруженным глазом.
И неудивительно, что "Портрет мадам X" до сих пор служит источником вдохновения. Этот образ примеряли на себя и известные актрисы.
Для наглядности - в центре оригинал, по бокам - современные воплощения. Как вам кажется, чей образ эффектнее, Кидман или Мур?

А если на красной дороже или подиуме вы видите облегающее чёрное платье на тонких бретельках или без них, с лифом в форме сердечка (в своё время карикатуристы сравнивали это платье с тузом пик!), в пол, и даже, возможно, со шлейфом - знайте: дизайнер в своё время явно любовался знаменитым портретом Сарджента.
Источник: https://www.metmuseum.org/about-the-met/conservation-and-scientific-research/conservation-stories/2020/madame-x
https://dzen.ru/a/XHZZ0aZvGgC05a8q
СЭР ДЖОН ЭВЕРЕТТ МИЛЛЕ , ОФЕЛИЯ
May. 31st, 2023 10:17 pmШедевр прерафаэлитов
Почему прерафаэлиты так называются?
Прерафаэли́ты (англ. Pre-Raphaelites) — направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX века, образовавшееся в начале 1850-х годов с целью борьбы против условностей викторианской эпохи, академических традиций и слепого подражания классическим образцам.
Название «прерафаэлиты» должно было обозначать духовное родство с флорентийскими художниками эпохи раннего Возрождения, то есть художниками «до Рафаэля» и Микеланджело: Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини.

Sir John Everett Millais, Ophelia, 1851-52, oil on canvas, 762 x 111.8 cm (Tate Britain, London)
Офелия» (англ. Ophelia) или «Смерть Офелии» — картина английского художника Джона Эверетта Милле, завершённая им в 1852 году.В основе картины лежит сюжет из пьесы Шекспира «Гамлет». Это полотно, выставленное в Королевской Академии художеств в 1852 году, было далеко не сразу оценено современниками
Офелия считается одним из величайших шедевров стиля прерафаэлитов. Сочетая свой интерес к шекспировским сюжетам с пристальным вниманием к естественным деталям, Милле создал мощный и запоминающийся образ. Очень необычен для того времени выбор им момента в пьесе «Гамлет», когда Офелия, обезумев от убийства Гамлетом своего отца, топит себя. Однако это позволило Милле продемонстрировать как свое техническое мастерство, так и художественное видение.
Фигура Офелии плавает в воде, ее средняя часть начинает медленно тонуть. Одетый в старинное платье, которое художница приобрела специально для картины, зритель может отчетливо видеть вес ткани, как она парит, но и помогает тянуть ее вниз. Ее руки в позе подчинения, принятия своей судьбы.

Она окружена разнообразными летними цветами и другими растениями, некоторые из которых были подробно описаны в тексте Шекспира, а другие включены из-за их символического значения. Например, кольцо из фиалок на шее Офелии является символом верности, но может также означать целомудрие и смерть.
Опасности рисования на открытом воздухе
Написанный на открытом воздухе недалеко от Юэлла в Суррее, Милле начал фон картины в июле 1851 года. Он сообщил, что вставал каждый день в 6 утра, начинал работу в 8 и не возвращался в свою квартиру до 7 вечера. Он также рассказал о проблемах работы на открытом воздухе в письмах к своей подруге миссис Комб, которые позже были опубликованы в биографии Милле его сыном Ж.Г. Милле.
«Я сижу, как на заказ, под зонтиком, отбрасывающим тень едва ли больше полпенни в течение одиннадцати часов, с детской кружкой в пределах досягаемости, чтобы утолить мою жажду из бегущего рядом со мной ручья. Мне грозит повестка в суд за нарушение границ поля и порчу сена».
Опасности быть моделью художника

Его проблемы не закончились, когда в середине октября он вернулся в свою студию, чтобы нарисовать фигуру Офелии. Его моделью была Элизабет Сиддал, с которой художники-прерафаэлиты познакомились через своего друга Уолтера Хауэлла Деверелла, который был впечатлен ее внешностью и попросил ее стать моделью для него.
Когда она познакомилась с прерафаэлитами, Сиддал работала в шляпном магазине, но позже стала самостоятельным художником и поэтом. Она также стала женой и музой Данте Габриэля Россетти. Милле заставил Сиддала плавать в ванне с теплой водой, которая поддерживалась горячей с лампами под ванной. Однако в один прекрасный день лампы погасли незаметно для увлеченного Милле. Сиддал простудилась, и ее отец пригрозил судебным иском о возмещении ущерба, пока Милле не согласился оплатить счета врача.
Офелия оказалась для Милле более успешной картиной, чем некоторые из его более ранних работ, таких как « Христос в родительском доме» . Он уже был куплен, когда выставлялся в Королевской академии в 1852 году. Критическое мнение под влиянием Джона Раскина также начало склоняться в сторону PRB (Братства прерафаэлитов). В следующем году Милле был избран членом Королевской академии, событие, которое Россетти считал концом Братства прерафаэлитов.

Исполнение Офелии демонстрирует стиль прерафаэлитов в лучшем виде. Каждый тростник, качающийся в воде, каждый лист и цветок — плод непосредственного и точного наблюдения за природой. Когда мы наблюдаем, как тонущая женщина медленно погружается в мутную воду, мы чувствуем оттенок меланхолии, столь характерный для викторианского искусства. Именно в его способности сочетать идеалы прерафаэлитов с викторианскими чувствами выделяется Милле. Его изображение Офелии так же незабываемо, как и сама героиня.
Источник : https://smarthistory.org/millais-ophelia/
Почему прерафаэлиты так называются?
Прерафаэли́ты (англ. Pre-Raphaelites) — направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX века, образовавшееся в начале 1850-х годов с целью борьбы против условностей викторианской эпохи, академических традиций и слепого подражания классическим образцам.
Название «прерафаэлиты» должно было обозначать духовное родство с флорентийскими художниками эпохи раннего Возрождения, то есть художниками «до Рафаэля» и Микеланджело: Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини.

Sir John Everett Millais, Ophelia, 1851-52, oil on canvas, 762 x 111.8 cm (Tate Britain, London)
Офелия» (англ. Ophelia) или «Смерть Офелии» — картина английского художника Джона Эверетта Милле, завершённая им в 1852 году.В основе картины лежит сюжет из пьесы Шекспира «Гамлет». Это полотно, выставленное в Королевской Академии художеств в 1852 году, было далеко не сразу оценено современниками
Офелия считается одним из величайших шедевров стиля прерафаэлитов. Сочетая свой интерес к шекспировским сюжетам с пристальным вниманием к естественным деталям, Милле создал мощный и запоминающийся образ. Очень необычен для того времени выбор им момента в пьесе «Гамлет», когда Офелия, обезумев от убийства Гамлетом своего отца, топит себя. Однако это позволило Милле продемонстрировать как свое техническое мастерство, так и художественное видение.
Фигура Офелии плавает в воде, ее средняя часть начинает медленно тонуть. Одетый в старинное платье, которое художница приобрела специально для картины, зритель может отчетливо видеть вес ткани, как она парит, но и помогает тянуть ее вниз. Ее руки в позе подчинения, принятия своей судьбы.

Она окружена разнообразными летними цветами и другими растениями, некоторые из которых были подробно описаны в тексте Шекспира, а другие включены из-за их символического значения. Например, кольцо из фиалок на шее Офелии является символом верности, но может также означать целомудрие и смерть.
Опасности рисования на открытом воздухе
Написанный на открытом воздухе недалеко от Юэлла в Суррее, Милле начал фон картины в июле 1851 года. Он сообщил, что вставал каждый день в 6 утра, начинал работу в 8 и не возвращался в свою квартиру до 7 вечера. Он также рассказал о проблемах работы на открытом воздухе в письмах к своей подруге миссис Комб, которые позже были опубликованы в биографии Милле его сыном Ж.Г. Милле.
«Я сижу, как на заказ, под зонтиком, отбрасывающим тень едва ли больше полпенни в течение одиннадцати часов, с детской кружкой в пределах досягаемости, чтобы утолить мою жажду из бегущего рядом со мной ручья. Мне грозит повестка в суд за нарушение границ поля и порчу сена».
Опасности быть моделью художника

Его проблемы не закончились, когда в середине октября он вернулся в свою студию, чтобы нарисовать фигуру Офелии. Его моделью была Элизабет Сиддал, с которой художники-прерафаэлиты познакомились через своего друга Уолтера Хауэлла Деверелла, который был впечатлен ее внешностью и попросил ее стать моделью для него.
Когда она познакомилась с прерафаэлитами, Сиддал работала в шляпном магазине, но позже стала самостоятельным художником и поэтом. Она также стала женой и музой Данте Габриэля Россетти. Милле заставил Сиддала плавать в ванне с теплой водой, которая поддерживалась горячей с лампами под ванной. Однако в один прекрасный день лампы погасли незаметно для увлеченного Милле. Сиддал простудилась, и ее отец пригрозил судебным иском о возмещении ущерба, пока Милле не согласился оплатить счета врача.
Офелия оказалась для Милле более успешной картиной, чем некоторые из его более ранних работ, таких как « Христос в родительском доме» . Он уже был куплен, когда выставлялся в Королевской академии в 1852 году. Критическое мнение под влиянием Джона Раскина также начало склоняться в сторону PRB (Братства прерафаэлитов). В следующем году Милле был избран членом Королевской академии, событие, которое Россетти считал концом Братства прерафаэлитов.

Исполнение Офелии демонстрирует стиль прерафаэлитов в лучшем виде. Каждый тростник, качающийся в воде, каждый лист и цветок — плод непосредственного и точного наблюдения за природой. Когда мы наблюдаем, как тонущая женщина медленно погружается в мутную воду, мы чувствуем оттенок меланхолии, столь характерный для викторианского искусства. Именно в его способности сочетать идеалы прерафаэлитов с викторианскими чувствами выделяется Милле. Его изображение Офелии так же незабываемо, как и сама героиня.
Источник : https://smarthistory.org/millais-ophelia/





